斩获夏衍年度荣誉剧本：

对现实主义创作的肯定

近日，《三大队》剧本荣获首届夏衍电影编剧周“年度荣誉改编电影剧本”，张冀坦言“深感荣幸”：“夏衍先生是中国电影界的前辈，这次活动在他的家乡杭州举办，兼具文化意义与行业价值。”他特别提到，“这不仅是对编剧的扶持，更是对行业生态的革新——50万奖金堪比茅盾文学奖，体现了对剧本‘创作核心’的重视。”

在张冀看来，这个奖项既是对《三大队》“现实主义创作方向”的认可，也是对他深耕编剧行业十余年的鼓励：“它坚定了我继续扎根现实、扎实创作的信念。尤其在AI时代、影像媒介爆发的当下，观众需求快速迭代，我们更需要沉下心来，用真实的故事和立体的人物打动人心。”获奖不是终点，而是“应对时代挑战的新起点”：“年轻观众的审美在变，但‘好故事’的内核不变——用心挖掘人性、反映时代的作品，永远有生命力。”

只有真正用心的作品，

才能让观众走进影院

面对“中国电影编剧行业的发展现状”，张冀客观分析了优势与挑战。他认为，当下行业的底气在于“根基已稳”：“相比90年代电影院近乎绝迹的困境，如今我们有了成熟的人才储备——导演、编剧、技术团队都能独当一面，本土创作也积累了丰富经验，尤其是对互联网营销、短视频传播的运用，走在了世界前列。”

但挑战同样紧迫：“过去观众把看电影当‘刚需’，对内容要求不高；但现在，随着影像媒介的多元化，观众对电影的‘社交属性’需求降低，转而追求‘非看不可’的优质内容。这倒逼我们必须加快内容升级，无论是剧本的深度、人物的复杂度，还是制作的精细度，都需要‘更快、更好’。”他坦言，这种变化带着“内卷”的压力，但也充满机遇：“只有真正用心的作品，才能让观众重新走进影院，感受电影艺术的独特魅力。”

在现实题材中深耕“中国故事”

谈及未来的题材选择，张冀明确表示将继续聚焦现实题材：“中国不缺好故事，缺的是对故事的挖掘与呈现。这些年涌现的真实人物和事件，承载着时代性、民族性甚至人类共通的情感——比如《三大队》里的程兵，他的坚持不仅是个人选择，更映射着中国警察的精神传承，也能让观众感受到‘正义永不缺席’的全人类共同价值。”

他认为现实题材的核心是“以人为本”：“我不会为了尝试新类型而刻意改变，而是等‘能打动我的人物和故事’出现。好的现实题材作品，既能让创作者获得愉悦，也能让观众产生共鸣——因为真实的生活和人性，永远是最动人的‘剧本’。”

从《中国合伙人》《亲爱的》到《三大队》，张冀的创作始终紧扣现实脉搏。正如他在采访中反复提到的“扎根生活”，他用一部部作品证明：现实主义不是对生活的简单复刻，而是对人性的深度挖掘、对时代的敏锐洞察。在影像媒介快速迭代的今天，这种“扎根”的定力，或许正是中国电影创作最珍贵的底气——唯有立足现实、直面人性，才能让故事跨越时空，在观众心中留下印记。

◎ 《第二十条》编剧李萌：在类型突破与现实观照中探寻创作生命力

2024年2月10日，由张艺谋导演，李萌、张艺谋、王天毅编剧，雷佳音、马丽等主演的电影《第二十条》上映并引发社会公众广泛观众，作为首部聚焦“正当防卫”议题的法治题材影片，该片在情与理、公序良俗与法律法规的平衡求索中，探寻公平正义的真正解答。

影片编剧李萌坦言，与张艺谋合作，从他那里得到的最大收获之一就是创作要“寓教于乐”。他认为，“寓教于乐的核心是‘真诚’”：“观众反感的不是‘讲道理’，而是‘生硬灌输’。《三大队》通过警察的真实困境刻画职业信仰，《长安三万里》用诗词串联个人命运与时代脉络，都是用故事细节而非口号传递价值观。”

从“闭门造车”到与“市场接轨”

谈及首届夏衍年度荣誉电影剧本评选的意义，李萌认为，首次将荣誉聚焦于“市场验证后的剧本原点”，打破了传统“重制作、轻剧本”的行业惯性。“以前编剧像‘幕后透明人’，奖项多关注成片或导演，而这次直接奖励‘故事的源头’，让我们感受到创作从一开始就被行业和市场看见。”他感慨，这种导向不仅提升了编剧的话语权，更引导行业重新审视“剧本作为产业起点”的核心价值。

面对短视频、短剧对市场的分流，李萌坦言“电影编剧的生存压力加剧”：“观众走进影院的决策成本变高，前10分钟抓不住眼球就可能流失——这倒逼编剧在开篇就要抛出强冲突、新视角。”但与此同时，市场的多元化也带来机遇：“碎片化时代催生了许多新职业、科技伦理等新议题，比如脱口秀、骑行文化、AI应用等，这些都是剧本创作的富矿。”

值得关注的是，行业对“编剧专业性”的要求正在重构。“技术层面的故事结构、类型套路不难掌握，但对生活的感悟、对人性的洞察才是核心。”

在他看来，当下年轻编剧需突破“学院派套路”，在现实生活中积累素材：“比如《第二十条》从家庭伦理切入法治题材，用市井气的人物让严肃议题‘接地气’，证明了现实观照与类型创新结合的可能性。”

类型突破：在混合与颠覆中寻找叙事新可能

“单一类型难突围，混合类型成趋势。”谈及创作方向，李萌频繁提及“类型融合”的重要性。“战争+喜剧”“悬疑+科幻”“现实+奇幻”等跨界尝试被视为破局关键：“《美丽人生》用喜剧外壳包裹战争悲剧，《爆裂鼓手》将音乐题材与惊悚张力结合，这些案例证明，打破类型边界能产生新的叙事魅力。”

在传统题材的创新上，李萌以《封神第一部》为例，指出“解构经典不等于颠覆价值，而是用现代视角重构情感连接”：“纣王不再是单一的‘昏君’，而是被赋予‘勇敢却偏执’的复杂人性；姬发的‘质子视角’让父子关系、英雄定义更贴近当代年轻人的自我困惑——这种改编不是推翻传统，而是让神话故事与现代观众的情感困境‘同频’。”

在碎片化时代捕捉“真实的共鸣”

“现实主义是所有创作的根基。”尽管市场对类型创新需求迫切，李萌仍强调“脱离现实的故事缺乏生命力”：“哪怕是科幻、奇幻题材，内核也必须扎根于现实中的人性、社会矛盾。比如‘时间循环’‘平行宇宙’等设定，本质上是对‘选择与遗憾’‘身份认同’等现实议题的隐喻。”

在碎片化时代，如何捕捉“真实的共鸣”？李萌建议从“微小切口”切入宏大主题：“不要试图概括‘整个时代’，而是聚焦个体在时代中的具体困惑——比如职场‘996’、教育焦虑、代际沟通等，这些‘小痛点’更容易引发共情。”

谈及年轻编剧的成长，李萌以自身经历寄语：“编剧之路是一场马拉松，初期不必纠结‘完美剧本’，而是要在实践中积累对生活的观察。”从建筑学到纪录片再到编剧的跨界经历，让他坚信“人生没有白走的路，每一段体验都能转化为创作的养分”：“年轻编剧要避免‘闭门造车’，既要深入生活捕捉细节，也要关注市场趋势，在‘自我表达’与‘观众需求’之间找到平衡。”

对于“夏衍杯”的未来，李萌期待其进一步打通“创作—产业”链条：“除了表彰优秀剧本，或许可以增设‘类型孵化单元’，联合制片方、平台方搭建选题对接会，让获奖剧本更快落地。”同时，他还呼吁行业加强对编剧权益的保护：“编剧是‘内容源头’，但目前话语权较弱，希望能通过行业规范提升创作参与度，避免‘剧本被随意修改却缺乏反馈’的困境。”

在他看来，电影的进化方向在于“体验升级”：“从‘讲一个好故事’到‘创造一种沉浸式体验’，比如结合互动叙事、虚拟现实等技术，但核心仍是‘以情动人’。”